Fuente: Los Cazadores de Libros
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MIGUEL RASCH ISLA
(Barranquilla, 9 de febrero de 1887 - Bogotá, 6 de octubre de 1953). Fue un poeta colombiano considerado uno de los pioneros de la literatura erótica en Colombia debido a sus poemas dionisíacos, con el tema del erotismo y el sexo siempre presentes. Considerado escandaloso por unos, y genio por otros, la obra de Rasch Isla fue atrevida para la época. A petición expresa de sus descendientes no se han vuelto a publicar sus poemas. Se le llegó a llamar “el caballero del soneto”.
A UNA ONDA
Onda del mar, padezco tu inquietud: a tu modo
vibro, sollozo, canto, me agito sin cesar;
como tú no hallo nunca concreción ni acomodo,
como tú sufro el signo turbulento del mar.
Caprichosos, volubles, inconformes con todo,
cambiamos, sin que cambie nuestra vida al cambiar;
¿dóndé estará la playa, dónde estará el recodo
traaquilo en que podamos sin morir reposar?
La lumbre te embellece con un prisma risueño,
cual sonrosan mi alma la ilusión y el ensueño,
mas tu prisma y mi sueño son mentira no más.
¿Quién sospecha tus rumbos? ¿Quién mis dudas resuelve?
Tú eres lo que en la orilla dice adiós y no vuelve...
Yo lo que al despedirse no ha de volver jamás.
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En 1888, poco después de que Vincent van Gogh se trasladara a Arlés, una pintoresca ciudad construida sobre ruinas romanas en el sur de Francia, escribió a un amigo, el pintor parisino Émile Bernard, para contarle sobre su nuevo alojamiento.
“He alquilado una casa pintada de amarillo por fuera, encalada por dentro, a pleno sol”, escribió Van Gogh, y añadió una descripción de sus vistas: “La ciudad está rodeada de vastos prados engalanados con innumerables ranúnculos: un mar amarillo”.
Mientras vivía en una casa amarilla en medio de este “mar amarillo”, Van Gogh recurrió una y otra vez al color para crear algunos de sus lienzos más reconocibles: campos de trigo dorados bajo un sol abrasador, el toldo color caramelo de la terraza de un café por la noche y un jarrón pajizo lleno de girasoles.
Pablo Picasso tuvo su Periodo Azul a principios del siglo XX, una fase melancólica en tonos azules. El “periodo amarillo” de Van Gogh, como podría llamarse, reflejaba el calor del sol provenzal, pero también el sentimiento de consuelo, esperanza y optimismo del artista durante ese breve episodio de su carrera.
Lo utilizó tanto en sus años de Arlés —una época en la que estaba en la cúspide de sus facultades artísticas— que quedó asociado para siempre a ese color.
“Amarillo. Más allá del color de Van Gogh”, una exposición en el Museo Van Gogh de Ámsterdam que estará abierta hasta el 17 de mayo, convierte la tonalidad en un principio organizador. El color conecta al postimpresionista del siglo XIX no solo con otros artistas como Paul Signac, Kazimir Malevich y JMW Turner, sino también con una sombrilla de señora, un vestido de baile y dos instalaciones inmersivas del artista danés Olafur Eliasson.
Los curadores toman los Girasoles de Van Gogh de 1889 como punto de partida para explorar el cambiante significado del color para los artistas.
“Es una travesía”, dijo Ann Blokland, una de los dos curadores de la exposición. “En la época de Van Gogh, era un color de modernidad, de espiritualidad y de teoría del color. Pero queremos que puedas recorrer la exposición para hacer tus propias asociaciones”.
La teoría del color preocupaba a varios artistas del fin de siècle, término utilizado para referirse al final del siglo XIX, como Wassily Kandinsky e Hilma af Klint, quienes creían que determinados colores tenían resonancias espirituales o significados simbólicos y que ciertas combinaciones despertaban vibraciones emocionales en el espectador.
Kandinsky describió el amarillo como si tuviera el sonido de una “trompeta atronadora”, y creó una obra de teatro musical llamada El sonido amarillo para expresar la idea. No se representó en vida del artista; la muestra de Ámsterdam presenta en video un fragmento de una producción de 1974, con música de Alfred Schnittke.
Los curadores también han incluido algunos intentos recién compuestos por estudiantes del conservatorio de Ámsterdam para captar la esencia del amarillo en el sonido, y perfumes que sugieren el color con esencias como la vainilla, la bergamota y el pachuli, que los visitantes pueden oler desde decantadores de cristal.
Este enfoque sensorial se extiende a dos obras del artista berlinés Olafur Eliasson, quien es conocido por instalaciones de luz como “The Weather Project”, una instalación específica de 2003 realizada para la Sala de Turbinas de la Tate Modern de Londres, en la que un orbe amarillo brillante creaba la ilusión de un sol.
Blokland y su cocurador, Edwin Becker, ofrecieron a Eliasson una planta entera del museo para dos grandes instalaciones: su escultura de luz fluorescente de 2006, Who Is Afraid Yellow Flower Ball; y Color Experiment No. 78, de 2015, una serie de 72 pinturas circulares monocromáticas que parecen cambiar de color cuando las iluminan luces amarillas.
Este interés “matemático” por la teoría y la técnica del color vincula a Eliasson con Van Gogh, dijo Blokland.
Van Gogh jugaba con las combinaciones de colores —favorecía los contrastes como el amarillo y el azul, y el amarillo con el morado—, pero no siempre en su lienzo o paleta. Antes de tomar el pincel, reunía hebras de lana de colores en ovillos para ver cómo quedaban los tonos al combinarlos. Una caja de laca, expuesta en la exposición, muestra los tonos de amarillo, azul y morado que coinciden perfectamente con los que utilizó en un bodegón de frutas de 1887.
La asociación del artista con el amarillo en particular se remonta a su famosa serie Girasol, creada en 1888 y 1889, pero Blokland dijo que no necesariamente utilizó este color más que otros a lo largo de su carrera.
Sus primeros cuadros, realizados en su natal Países Bajos y en Bélgica, representaban la dura realidad de la vida rural al utilizar una paleta oscura y terrosa. No fue hasta que se trasladó a París en 1886 y recibió la influencia de pintores franceses como Signac, Paul Gauguin y Henri de Toulouse-Lautrec, cuando empezó a experimentar con pigmentos más cálidos y vivos.
Cuando se trasladó a Arlés, su amor por el amarillo floreció, al igual que su estilo. Allí, representó el paisaje bañado por el sol, pintó su nuevo hogar en La casa amarilla (1888) y se autorretrató con un sombrero de paja amarillo como el maíz.
“Era un color que lo desafiaba a llevar aún más lejos la expresión y la emoción en su pintura”, dijo Blokland, “porque era un color muy fuerte, y estaba por todas partes en Arlés”.
Este “periodo amarillo” duró toda la estancia de Van Gogh en un hospital psiquiátrico de la cercana St. Remy. Cuando se trasladó a Auvers-sur-Oise, a las afueras de París, sus cuadros volvieron a ser un poco más oscuros, con más morados y azules.
Una de las revelaciones de Blokland al montar la exposición fue descubrir que a menudo aparecían libros amarillos en los cuadros de la época de Van Gogh. Sus contemporáneos los habrían reconocido al instante como libros franceses de bolsillo con contenido sexualmente sugerente o subido de tono, lo que dio un nuevo significado al bodegón de Van Gogh de 1887 Montones de novelas francesas.
En parte debido a esos libros, “el amarillo se convirtió en sinónimo de todo lo moderno, de moda, y atrevido”, afirmó Blokland. Una revista británica de la época llamada The Yellow Book, que se exhibe en la exposición, publicaba artículos atrevidos o escandalosos, a menudo escritos por escritoras, algo poco frecuente a finales del siglo XIX.
La última década del siglo se conoce a veces como los “Noventa amarillos”, un periodo decadente y vanguardista que Van Gogh no llegaría a vivir. Se suicidó en su cúspide, en julio de 1890.
En su funeral, sus amigos y familiares llevaron flores amarillas, y su ataúd estaba cubierto de girasoles y dalias amarillas: “flores amarillas por todas partes”, como señaló en una carta su amigo pintor Bernard. “Era, como recordarás, su color favorito”, añadió, “el símbolo de la luz que buscaba en los corazones de la gente, así como en las obras de arte”.
El amarillo: más allá del color de Van Gogh: Hasta el 17 de mayo en el Museo Van Gogh de Ámsterdam; http://vangoghmuseum.nl.
Fuente: https://www.nytimes.com
Por: Nina Siegal. Reportando desde Ámsterdam
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Fuente: Macanudo
Macanudo es una serie de historietas que desde 2002 publica Liniers (Ricardo Siri) en el diario La Nación de Argentina. La historieta tuvo su génesis en Bonjour, que fue publicada en el suplemento NO de Página/12 desde 1999 hasta 2002. Actualmente se publica en el Diario Perú 21 en Perú y en el diario La Nación, gracias a haber sido presentada al editor del mismo por Maitena. Tras ello, el alcance de las historietas de Liniers se catapultó de modo que a 2014 ya existen diez libros publicados sobre Macanudo. El humor que caracteriza a la tira es fresco, inocente, inteligente y bizarro. Las tiras deben ser leídas con detenimiento hasta sus detalles, ya que en Macanudo como en el arte a veces hay que elegir entre entender o sentir. Macanudo es frecuentemente percibido como una puesta al día de Mafalda (de Quino) en los 60, por el tipo de humor y sobre todo por uno de sus personajes protagónicos, Enriqueta. En un chiste nombra a Mafalda, diciendo que fue su primer libro, y en una entrevista Liniers dijo que si hubiera sabido que los lectores iban a tomar a Enriqueta como una modernización de Mafalda, hubiera hecho a Enriqueta varón.
Fuente: Hagar the Horrible | By Chris Browne
